color color color !

La paleta  de colores cambia, la saturación de color  deja de ser una abominación ,  los verdes rojos azules violetas compiten  y a la vez se complementan  , el juego interminable de los colores por obtener un protagonismo  entra a colación , ya deja de ser  una tímida gama de pasteles fieles a la realidad , y empieza a cobrar vida propia  y no  se quedan en un tímido y subordina miento ante la forma y la realidad de un objeto. Las sombras  ahora son azules , las pieles se tornan verdes  , el color ahora tiene vida propia y de quien estamos hablando cuando nos encontramos ante una controversial  forma de estética .Los fovistas, movimiento de vanguardia sin miedo a experimentar , sin miedo a que  el dibujo o la pintura no fuera lo que se consideraba bella . los fovistas captan la atención pues rompen paradigmas impuestos en su época,  en estos días los colores neones , los colores saturados  digitalizados, se  funden con  una sociedad  acostumbrada al deslumbramiento   pero en una época gris o pastel  estos controversiales artistas nos demuestran una vez más que  la forma de ver y de sentir el arte no es solo una . y a su vez  nos dan a entender como hemos ignorado el color , como dar por sentado la libre utilización del mismo fue un proceso histórico arduo y criticado por las grandes “ autoridades del arte". 

OTRA ESTETICA

  

INTERCONEXIONES DE FORMAS UNA NUEVA FORMA DE VER EL MUNDO

 Interconexiones de fragmentos simbólicos, correlaciones de formas, estéticamente desafiantes  se unen para formar un  nuevo concepto  de practica creativa, en 1912 en el furor de los nuevos movimientos de vanguardia aparece esta controversial  forma artística, EL collage , con su  precursor Pablo Picasso como  ya  un artista consolidado y atrevido, que cautivo mi  vista y mi proceso de pensamiento,  es posible que entre formas y papeles se pueda ver otra manera de ver el mundo, o  una concepción diferente de lo que se considera realidad? Es acaso mas valido una escena casi teatral de los mismos bodegones que s e han repetido  durante años y  años en la historia del arte?  No es el contenido  a diferencia de los impresionistas lo que se está innovando no es lo que se ve  sino como se ve, tradición que  esta  explicita en los cuadros de  Cezanne  quien juega con los distintos momentos en los que se pinta un cuadro , el tiempo la manera en la que vemos es la que está siendo pensada en este momento y no una ilusión  fotográfica de  las escenas. 

MANET Apropiacionista?

Se habla del apropiacionismo como una técnica novedosa y no como una idea que se ha venido trabajando desde hace mucho tiempo. El apropiacionismo como es conocido hoy en día por los historiadores del arte es una escena artística norteamericana que se da en los ochenta superar los límites impuestos por la austeridad teórica de los episodios anteriores era el propósito de esta “nueva” forma de hacer arte y así coger una imagen ya existente y con el poder narrativo de esta intervenirla y ya sea re contextualizarla o descontextualizarla hacia otra idea diferente.

Pero acaso es verdad que hasta los años ochenta este fenómeno se dio? Manet nos plantea lo contrario. Utilizando la imagen de las majas en el balcón de Goya como referente, Manet hace que el apropiacionismo se de mucho antes de lo que los historiadores o el común de las personas cree. Si se comparan estas dos obras podemos encontrar no solo similitudes en composición y temática sino un referente obvio de la obra de Goya las dos majas en el balcón, y planteando otro tipo de época habla de otro tipo de mujeres pero usando la narrativa de Goya para crear otra obra maestra. Entonces realmente debemos tener como absoluto las diferentes épocas, o debemos analizar mas minuciosamente los referentes e influencias de los grandes maestros?

La Subjetiidad de la Realidad

La noción de que es real y que no lo es, es un concepto y una duda que ha marcado la historia del arte y de la visión del mundo. Como percibimos lo que es realidad, es acaso por medio de la mimesis que nos enfrentamos al concepto de que es una cosa, o de un cuerpo perfecto o de las ideas?, la representación veraz es imitar la tercera dimensión en un plano? O es como lo plantearía Cezanne la forma real en la que vemos, o como harán los impresionistas con el concepto de la persistencia retiniana? Todas estas dudas que surgen cuando las ideas se transforman a través de los años y de las experiencias como artistas, nos llevan a analizar más a fondo cada caso.

Artistas como Julien Dupre analizaban cada pequeño detalle cada, luz, cada sombra, la anatomía de los animales, de las personas para crear casi un hiper- realismo y así mostrar tal cual las cosas como las veía. Es casi una imitación fotográfica echa pintura. Aunque su técnica es contundente el concepto de hacer sus pinturas basándose en la mimesis no es un concepto nuevo, desde la antigüedad, se había intentado retratar el mundo tal cual es y basándose muchas veces en la mimesis se lograron obras de arte que trascenderían en el ámbito del arte, pero cuando analizamos a los impresionistas podemos entender que la mentalidad si ha cambiado y que el concepto de realidad también lo ha hecho, ellos plantean que el ser humano al ver un momento solo se lleva la impresión de aquello que está mirando , en el momento que el ojo se abre para ver una imagen solo queda impregnado en la mente y esa imagen está lejos de ser una imagen basada en la mimesis , esto lo llaman la persistencia retiniana , que se refiere a la imagen que queda en la retina sin tener que analizar cada detalle. O en el caso de Cezanne cuando juega con la perspectiva para dar cuenta de que las coas se ven a destiempo, y le impregna a sus pinturas la noción de distintos momentos en los que fue pintada la obra. Pero cual es más real? El que se basa en la mimesis? El que intenta entender el proceso visual o el que intenta comprender la realidad por medio de el tiempo? Se podría decir que ninguno está en lo correcto pero tampoco se equivocan es una simple subjetividad en otro concepto más LA REALIDAD.

¿Que la fotografía muestra lo real?

Tanto en el siglo XIX como ahora muchas personas creen que la fotografía es un registro fiel de la situaciones reales, aunque en estos días ese mito ha tendido a desaparecer debido a la propagación del conocimiento de programas como photoshop y diversos métodos de edición de imágenes, esa creencia está cambiando, pero la realidad es que desde el siglo 19 Gustav Rejlander a estado haciendo este tipo de manipulación de imágenes.

Pero por medio del montaje de negativos, y técnicas varias para crear todo un montaje en una fotografía no solo la técnica cambia sino el concepto de que la fotografía muestra la realidad da un vuelco enorme al presentar una obra de esta índole.

De campesino a obrero / cambio de fuerza

El siglo XIX fue una época de grandes cambios para la humanidad uno de los más destacados fue la revolución industrial. Este fenómeno trajo consigo grandes transformaciones para la economía y el comercio en el mundo entero, pero quizás más importante tuvo un gran impacto sobre la sociedad. La era industrial trajo consigo además la capacidad de trasformar más eficientemente las materias primas por medio de las grandes maquinas de transporte y manufactura, la posibilidad de transformar drásticamente las relaciones de poder y las relaciones de producción en pocas palabras la era industrial transformo de dominación.

El campesino, qué era dueño de su tierra y sus herramientas lograba mantener una justa economía de subsistencia. Sin embargo , su capacidad productiva no generaba rentas, por lo cual no pudo hacerse a los nuevos medios de producción de la era industrial viéndose así obligado a utilizar para subsistir y para hacer sobrevivir a su familia, la única posesión que le era útil en ese contexto : la fuerza de trabajo.

Es así como el campesino dueño de sus propios medios de producción, capaz de auto sostenerse, se ve forzado a alienar su fuerza de trabajo para garantizar su supervivencia y la de su prole. De ahí que en adelante pase a ser llamado proletariado.

Al ver este suceso Julien Dupré mediado por la escuela de Barbizón, retrata a la mujer campesina y a la ya mencionada fuerza de trabajo con la que solía mantener a su familia y auto sostenerse por medio de sus tierras y sus prácticas de la agricultura. En esa nostalgia de ver que esa fuerza se vio convertida en un engranaje más de la gran máquina de la revolución industrial.

Lo Contrario del Humor no es la Seriedad es la Tristeza

No solo existe una forma de ver la realidad, ni tampoco una forma de llevar un mensaje de un lado a otro, muchas herramientas son utilizadas para interpretar el mundo y para hablar de aquello que no se debe hablar.

Aunque el realismo lo entendemos como una forma representar las cosas tal cual son, no entiendo el realismo como la forma mimética de mostrar las situaciones, por lo menos no en su totalidad. Existen otros medios, otras herramientas que son utilizadas para mostrar la verdad, la realidad tal cual es, existen otros medios para que el mensaje “que es exactamente lo que está pasando” llegue a un público y que la verdad o realidad sea mostrada, de una forma más sutil pero directa. Daumier, Guadalupe Posada y Alberto Urdaneta son representantes fieles de lo referido anteriormente.

La idea de que el humor y la seriedad se repelen en el arte es una equivocación y un prejuicio que se da por la mala interpretación de las obras con humor, puesto que lo opuesto de lo humorístico no es precisamente la seriedad sino la tristeza, así que estas obras me parecen cautivantes en el sentido que son otro tipo de realismo, al cual no se le ha prestado mayor atención. En el mundo de lo artístico a la caricatura, al humor político y social, no se le ha dado mucha relevancia, pero esta forma de expresión es una de las más reales pues sin pelos en la lengua y utilizando la sátira como medio y herramienta son capases de retratar la realidad tal cual es, de decir lo que no se debe decir , de exponer la verdad oculta al publico indefenso e indiferente y logran captar la atención que a veces el arte “ serio” no logra.